全世界最面无表情的一群孩子

全世界最面无表情的一群孩子。他们不哭不闹，只是安静地坐在那里，看着自己的父母在一旁忙碌。这群孩子就是留守儿童。在中国，每年有数百万的儿童失去父母，其其中大约有一半是留守儿童。他们的父母常年在外打工，很少回家看望孩子。而这些孩子，也成为了社会的弱势群体。他们没有父母的陪伴，缺少全感，甚至有些孩子因为家庭贫困，不得不辍学打工赚钱。，他们的生活依然很艰难。

一、一个小孩不说话也没表情说明什么？

优质答案1

孩子的世界丰富多彩，也少不了发呆啦！简单的了几点

1，很小的小孩都会有自己一套的思维模式，看着某件物品就会发呆个半天，也是非常正常的！

2，有些小孩，刚睡醒时也会出现不说话面无表情这样，逐渐苏醒就好了，不必过多的催促他，如果急着赶去上学，可以提前与孩子约定时间，只要他在时间内完成就好啦！

3，还有些孩子睡前也会出现这个状态，大脑处于疲倦状态，睡一觉醒来就好了！

4，身体不舒服的时候，小孩比较容易出现这样的状态，这时候家长就得多留意小孩了！

二、为什么西方神话题材中的绘画人物很多是面无表情？

优质答案1

表情是一种无声的语言，它是指交谈者通过表情传递信息的一种语言。那么，西方神话题材中的绘画人物为什么大多面无表情，这与当时社会的黑暗不无关系，小编对这个有一定的了解，下面跟大家分享下。

1、服务于当时的政治，中世纪，基督教政教合一。西方世界的神灵需要具有强烈的象征意义，在西方人心中，神灵们神圣不可侵犯。特别是艺术家们，没有自己的话语权，不能致力于用画来表达心中的想法，所以笔下的绘画人物不宜有太多的感情流露。

2、因为大力教会宣扬，神话人物在人们心中本来就是神圣的，以至于人们能理所地接受绘画神灵人物面无表情。这种绘画风格直到文艺复兴才有所改善。

以上就是小编的两点见解了，希望对大家有用。

优质答案2

西方油画有人物、风景、静物三大题材，人物肖像画无疑是油画艺术的重头戏，在西方600多年美术史里，一直占据着半壁江山，以至于在油画圈里，有这样的共识不会创作人物肖像的油画家，不是称职的油画家。

人物画不像风景和静物，面对的是活生生的，有各种各样情感和个性的人，用什么样的技巧，把人物形象画得形神兼备，让画面体现出强烈的代入感，让观者得到身同感受的审美体验，一直是历代人物油画家毕生追求的目标。

，西方早期油画里的人物，绝大部分是面无表情，带有明显的匠气，为什么会这样呢？

达芬奇《得·本其肖像》

实际上，这个问题要一分为二去看待，文艺复兴，包括文艺复兴前期的油画作品，画中大多数人物面部确实是没有什么表情，一幅僵硬、呆板、严肃，缺乏情感的神态，这样的神态，被称作“扑克脸”，就如同扑克牌里，J、Q、K这些牌面人物的表情，是模式化的，千篇一律，看不出丝毫个性，距离惟妙惟肖相去甚远。

绘画毕竟是艺术，人物形象必须传达出真情实感才符合艺术的本意，，从文艺复兴中期以后，画家逐渐意识到这些缺陷，就想办法给作品中凝注人性化的情感，把“人神同性”看作最基本的艺术原理，最终，推动了油画艺术的大力发展。

文艺复兴以前，在绘画上之所以出现这种情况，主要有两大原因。

达芬奇《抱银鼠的姑娘》

其一，神学思想影响和束缚了画家的创作态度。

西方文明起源于古希腊，从古希腊开始，就诞生了神学思想，从此后，神学思想在西方历史上一直延续，自中世纪到文艺复兴前期，在这长达1000多年的历史里，是神学思想发展的高峰，神学思想已经深入人心，在普通大众的意识里，神灵高高在上，神灵的严肃性和神圣性不可冒犯，画家必须以崇拜的目光去审视和刻画神灵。

在这种文化意识的影响下，画家在刻画神话人物时，必须刻意把神话人物跟普通大众区分开来，神灵在画家眼里，是高贵的，神圣的，严肃的，不食人间烟火的，如果把某个神话人物画得跟普通大众一样，具有喜怒哀乐和七情六欲，会被认为是对神灵的不敬和亵渎，没有哪个画家敢这样做。

杜乔·迪·博宁塞纳《圣母子》

，我们可以看到，西方中世纪时期的哥特式美术，拜占庭美术，中世纪末期的蛋彩画，以及文艺复兴前期的油画作品，里边的神话人物都跟木偶一样，面部表情刻板、严肃，根本看不到人性化的表情。

比如，哥特式美术代表人物意大利画家杜乔·迪·博宁塞纳的《圣母与圣婴》，蛋彩画大师波提切利的《维纳斯的诞生》，甚至艺术大师达芬奇的前期作品《岩间圣母》，画中人物都是套路化的表情，如同长着同一张脸。

拉斐尔《孕妇》

其二，跟油画技巧在这个阶段还没有发展到完善有很大关系，画家想画出丰富的面部表情，没有合适的技巧去帮助实现。

从14——16世纪，文艺复兴在西方延续200余年，诞生了达芬奇、米开朗基罗、拉斐尔三大美术巨匠。油画艺术真正完善起来是在15世纪中期，此时，文艺复兴在西方已经走过100多年，达芬奇、米开朗基罗等大师作为油画艺术的第一批探索者，他们此时已经人到中年，在创作思维上还没有摆脱神学思想的束缚，作品通常以神话题材和宗教题材作为创作内容，技巧和风格已经定型，想改变过来并不容易。年轻的拉斐尔作为文艺复兴中后期最重要的油画探索者，正好赶上了油画艺术从宗教色彩向世俗化转变的过程，导致他的画风明显跟前两位不同。

拉斐尔《圣母和圣婴》

文艺复兴是借助古希腊的文艺样式，来反对神学思想，主张人们发扬人文主义精神，倡导画家画出符合时代精神，能反映普通大众精神世界的作品。

，文艺复兴中前期，神学思想依然占主导地位，教会还不允许画家直接去刻画生活中的普通人物，要时刻保持对神明的敬畏之情，，对一些为艺术而艺术的画家来说，他们虽然画着神话人物，却给人物形象里加入世俗化和人情味的元素，把神话人物画得越来越贴近大众的真实感受，越来越像普通人。到后来，画家们干脆直接从现实生活中提取创作素材，直接刻画芸芸众生，不再对神学思想唯命是从，在这样的尝试中，绘画技艺和艺术境界取得了稳步提高。

可以说，从把神话人物画得“人神同性”，到最终刻画活生生的人，是大众的审美意识逐渐战胜了神学思想束缚的结果，是人文主义精神的胜利。